« Framologie »… Introductions à la lecture

Regarder une représentation théâtrale à distance nous prive des rituels confortables du visionnage direct et de l’atmosphère de la sensation en direct de la représentation, car cela nous empêche du lien supposé intime/spontané entre la créativité et sa réception, et empêche également tout l’immédiat. des indicateurs associés au moment de la présentation qui nous placeraient au cœur du jeu théâtral, de son rythme et de ses transformations. Soudaineté. De là, j’ai revu « Frimology » via un enregistrement vidéo de manière incomplète et froide, sans ressentir la chaleur du spectacle et sans accéder à son essence essentiellement ludique, et aux interactions instantanées et automatiques de la réception.
Par conséquent, ce que je présente dans le contexte de la présentation de la « phrimologie » à travers cette observation ne sont rien d’autre que des observations, dont certaines sont formées d’impressions, et d’autres de possibilités et d’hypothèses, qui peuvent servir – au mieux – d’introductions à la lecture, et Je définis ces observations dans les éléments suivants :

1- Adresse : Le seuil
Le titre lui-même fournit un seuil pour entrer dans le monde de la pièce avant d’y entrer, une entrée basée sur la possibilité et l’hypothèse basée sur des indicateurs inclus dans le titre, qui n’est qu’un mot, mais c’est un mot composé sur une sculpture qui combine le « frame » (frame/frame) et le logos (logia) qui évoque l’esprit. Et pour la science, la signification possible de la présentation semble être qu’il s’agit d’un cadrage rationalisé, ou d’un processus scientifique de cadrage et de tracé de limites, dans le sens où le cadre fixe des limites précises à quelque chose auquel il ne peut échapper ou s’écarter. Le cadre, lui aussi, est une forme géométrique à quatre côtés, et son lien avec la « logia » nous fait supposer que ce processus mental scientifique appartient au monde des mathématiques dans son aspect géométrique. Alors, qu’est-ce qui encadre la « frémologie » scientifiquement et techniquement ? Quelle est cette signification qui a choisi l’esprit comme point d’entrée pour la discussion et le traitement ? Quelle est cette valeur que l’auteur et réalisateur du spectacle pensait former géométriquement ?
Alors que l’éclairage du spectacle commence à briller, la possibilité d’hypothèses basées sur l’indicateur du titre devient visuellement apparente, car on se retrouve bientôt devant une scénographie basée sur la forme géométrique de deux cadres verticaux répartis de part et d’autre de la scène dans parallèle symétrique, à la différence près que l’un d’eux est au fond de la scène et l’autre au premier plan, ce qui correspond à une différence de genre. Aussi, où un homme est encadré à l’intérieur de l’un d’eux tandis que le second encadre une femme qui initie l’acte de parler, même si son cadre occupe le fond du bois, tandis que le silence réside dans le cadre de l’homme au premier plan du bois.
Le spectacle est donc une forme de cadrage d’une relation humaine entre un homme et une femme, qui est apparue dès le premier dialogue avec sa force émotionnelle remarquable comme une relation de conflit et de controverse. Mais conflit sur quoi ? Il y a une controverse sur quelle différence ?

2- Les délais de prescription et la nouveauté de l’offre :
En ce qui concerne le contenu du spectacle, la pièce « Frimologia » a choisi un thème presque épuisé en termes de répétition au théâtre et dans d’autres domaines créatifs. Il est lié au conflit entre hommes et femmes, thème qui a pris une grande place dans la créativité théâtrale arabe. Elle a souvent été résumée dans une tentative de dévoiler la réalité misérable dans laquelle vivent les femmes, en particulier dans les sociétés arabes, où règnent la répression, la persécution et l’injustice sous ses diverses formes sociales, psychologiques et politiques. Dans ce contexte, il donne naissance à des créations théâtrales qui approfondissent l’image de la blessure chez la femme, comme c’est le cas avec Saadallah Wannous. Dans mes pièces « Rêves coquins » et « Un jour de notre temps », de Ghanem Ghanem dans « Badrana », et chez de nombreux dramaturges du Maroc et de Tunisie… c’est-à-dire que ce thème est très présent et abordé, et révèle profondément le amère réalité des femmes et des formes de leur oppression, c’est ce qui en a résulté. « frémologie » également ; Cependant, il y a un moment de transformation remarquable au milieu de la série qui modifie l’équilibre des pouvoirs et déplace la femme du cadre arrière au cadre avant avec la possession du pouvoir et du contrôle, et c’est ce qui a été trouvé dans Al. -La proposition de Hakim Al-Masoud, qui attire l’attention sur le pouvoir inhérent aux femmes et sur leur capacité à passer soudainement au contrôle et au contrôle. À un moment décisif, elle découvre qu’elle est propriétaire du pouvoir économique, capable de diriger et de tracer le chemin qu’elle veut, et force l’homme à obéir et à se soumettre à ses conditions, alors qu’elle l’a choqué en acceptant le défi et sa capacité à ajoutez une « vadrouille » voire plusieurs « vadrouille » à son « seau » en toute audace et émotion. Aussi, en provoquant l’homme et en le soumettant à la condition de signer un papier dans lequel il reconnaît accepter cet ajout, condition dans laquelle la femme cherche à humilier davantage l’homme et à révéler sa bassesse et sa méchanceté, qu’il ne possède pas. les caractéristiques de la masculinité et qu’il n’est qu’un homme.
Nous écrivons rarement des pièces visant à révéler le pouvoir inhérent aux femmes et à leur donner contrôle et autorité, car le conflit s’arrête souvent aux limites du pouvoir et du pouvoir de l’homme, mais « Frimologia » a encadré le conflit sous un autre angle, un conflit dans lequel la femme peut prendre le contrôle et soumettre l’homme à ses conditions et à son autorité. , en sortant du pneu arrière et en occupant le pneu avant.

3- Éclairage géométrique :
Al-Hakim Al-Masoud a prévu une illumination basée sur des standards géométriques, tant horizontalement que verticalement, afin que cette illumination soit basée sur la dualité du vide et de l’abstraction. L’espace général de la pièce est vide à l’exception de deux cadres verticaux en bois, ce qui signifie que le vide occupe le plus grand espace dans l’espace de la pièce, et le vide signifie ici l’absolu/origine qui appelle la Plénitude : Un homme et une femme suffisent pour remplissent le vide, et ce sont des indicateurs physiques de plénitude, mais ils ne sont jamais connectés. Ils restent complètement séparés tout au long de la pièce, ce qui rend l’acte de remplissage limité et voué à la stérilité. Comment remplir le monde et le monde sans qu’un homme ait un contact direct avec une femme ?
L’espace est également caractérisé par l’abstraction, car rien n’occupe la scène à l’exception de deux cadres vides qui se dressent verticalement, encadrant l’homme et la femme verticalement, et qui n’ont aucune signification physique. Il s’agit d’une suggestion de deux portes avec une entrée et une sortie inconnues, et une suggestion de deux cadres qui « projettent » deux images ambiguës et instables. Peut-être s’agissait-il d’une suggestion de deux tombes dressées en attente. Le mort qui les recouvre pour prendre une position terrestre.
Cette dualité de vide et d’abstraction dessinait sur la scène une forme géométrique saisissante, en conjonction avec l’action de l’éclairage, qui dessinait un chemin encadré entre les deux cadres verticaux, dans lequel les deux acteurs marchaient sans s’écarter des limites tracées pour ce chemin, et l’espace de jeu restait confiné entre le cadre arrière et le cadre avant et le chemin tracé entre eux. « Encadré » à son tour. La pièce est donc un cadrage scientifique rationalisé, prémédité qui encadre la relation, l’action, le conflit, et encadre également le jeu des acteurs dans une ligne tracée avec précision et dont on ne peut s’écarter.

4- Travaux techniques…de la technologie à l’esthétique :
La mise en scène a su présenter son vocabulaire par une utilisation intelligente des outils techniques de travail, que ce soit par l’éclairage, qui n’est plus seulement une technique pour éclairer l’obscurité, mais plutôt un moyen esthétique de tracer le chemin, déterminant le champ de jeu des acteurs, et en ajoutant l’atmosphère psychologique du spectacle et ses conflits à travers les couleurs et la densité, ou à travers les effets sonores qui formaient l’apparence audio du spectacle, alors que ces indicateurs passaient d’une technique audio à une fonction esthétique qui dépeint l’atmosphère d’anticipation et le l’atmosphère de transformation du conflit dramatique et l’ampleur de l’émotion psychologique, notamment chez l’actrice. On peut y ajouter un élément vestimentaire, qui choisit une couleur en harmonie avec l’éclairage et, à son tour, ajoute une esthétique particulière à l’ensemble de l’espace théâtral.
Avec cette combinaison d’outils de travail techniques (éclairage – effets musicaux – vêtements) et la capacité de mise en scène à les faire passer d’un élément technique à un élément esthétique, le spectacle a pu présenter un espace particulier sur le plan visuel qui s’appuie sur le cadrage mais avec des rayonnements esthétiques saisissants.

5- Réprimandes nécessaires :
Il est nécessaire d’identifier un ensemble d’objections à l’offre. Ces objections proviennent bien entendu d’un point de vue personnel. Vous pouvez trouver un accord ou une opposition.
Le premier concerne le rythme du spectacle qui semblait monotone. Cette monotonie a été contribuée par le jeu d’acteur séparé basé sur la distance et l’espacement, ainsi que par la stabilité des deux cadres en apparence et en position symétrique tout au long du spectacle, et le mouvement des acteurs étant soumis à la linéarité du chemin tracé entre les deux cadres, qui est précisément défini et ne permet à aucun acteur de s’en écarter.
Le jeu d’acteur, quant à lui, doit être repensé, car il n’était pas dénué d’exagération d’émotion, notamment dans le jeu de l’actrice, et il restait soumis – c’est-à-dire le jeu d’acteur – à une répétition du mouvement et de l’action, qui limitait la performance des acteurs. et leur liberté de dominer l’espace public de la scène. Avec le manque de chaleur résultant de la séparation et de la distance entre les acteurs.
Il s’agit en tout cas de plaintes temporaires, en attendant le visionnage direct du spectacle en direct et non celui enregistré, car il est possible que le jeu et le rythme du jeu aient été affectés par le facteur d’enregistrement et l’angle de vision.

Écrit par : Dr Abdul Majeed Shakir
Photographie : Nour Al-Qaysar